jueves, 27 de abril de 2017

Las 3 Gracias


     Las tres gracias es una obra de Pedro Pablo Rubens, pintada al óleo sobre tabla en el siglo XVII. Pertenece a la etapa de la pintura barroca de la escuela flamenca. Actualmente la podemos encontrar en el Museo del Prado de Madrid.

     En la imagen aparecen las tres hijas de Zeus, Aglaya, Talía y Eufrosine, las tres gracias de la mitología griega. Se representan a dos de ellas de perfil y la del medio, de espaldas con la cabeza vuelta, estando las tres con el cuerpo desnudo. Simbolizan el amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad.

     El trío está enmarcado con un árbol a la izquierda que se tuerce y quiebra con contraste cromático y el color de una gasa en la rama y a la derecha hay un cupido con una cornucopia dorada de la que cae agua y arriba del cuadro una guirnalda de flores. A esto se le une un gran colorido y luz, con un fondo en el que se representa un paisaje en el que hay una seria de animales.

     Las tres gracias están representadas con un peinado de la época, desnudas y reunidas, pero conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente y las miradas, parecen iniciar una danza al tener todas una actitud delicada y un pie retrasado. Se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos.

La composición es elegante y las carnaciones claras irradian luz a la obra, con seguida con la fusión de los tres colores primarios. El colorido es muy brillante y predomina el color sobre el dibujo. Hay movimiento en los escorzos y posturas de ellas, además del círculo que forman.  El autor revela una evidente admiración por Tiziano en el desnudo femenino como podemos observar en esta obra.

martes, 25 de abril de 2017

LA BALSA DE MEDUSA

IDENTIFICACIÓN:
   
Técnica: óleo sobre lienzo
Cronología. 1819
Formato: 490 x 717 cm
Estilo: Romanticismo
Localización: Museo del Louvre


DESCRIPCIÓN:
La composición es abierta , con zig-zag, escorzos que crean dinamismo. En el cuadro se pueden distinguir dos estructuras piramidales una pirámide de la esperanza y regresiva con la diagonal hacia atrás , que tiene como vértice el muchacho negro, la elección del muchacho de color se relaciona con su posición antiesclavista ; y una pirámide de la desesperanza formada por las velas pues el viento sopla en dirección contraria del barco y en dirección de la inmensa ola que se aproxima, de este modo se contrapone la muerte y la esperanza de la vida. Volumen y corporeidad Importancia del modelado , realismo en fuertes anatomías que siguen influencia clásica como en el padre del primer plano con manto rojo.
El color predomina sobre el dibujo. Los tonos dominantes son los cálidos, que son los más apropiados para el dramatismo de la escena , sobre el dibujo como los ocres de las indumentarias y de la vela , los marrones de la balsa, los colores encarnados y rosados de la carne, los rojos y anaranjados de la tela , de la capa del padre , de algún pantalon o de la sangre.
LA LUZ de clarooscuro es una luz de atardecer de influencia de Caravaggio que incrementa el dramatismo, al igual que el cielo tormentoso y amenazador
Espacio. El encuadre está realizado desde un punto de vista alto para dar protagonismo al drama de los personajes.
Ritmo o movimiento hacia atrás mediante la diagonal desde los moribundos, pasando por los naúfragos que levantan la mano hasta el muchacho que quiere llamar la atención con un girón de tela.
Expresión. En la escena aparece la desesperanza como la del hombre que ha perdido ha su hijo y que ya todo le parece igual a la esperanza manifiesta en aquellos que hacen un esfuerzo por incorporarse para llamar la atención del barco salvador
 
INTERPRETACIÓN:
 Es un tema denuncia.  Se parte de un hecho real del naufragio frente a las costas de Senegal de la fragata " Medusa" . El capitan y sus oficiales abandonan el barco en botes y abandonaronn a la tripulación en medio del océano.     
Gericault buscó toda la información posible e hizo este cuadro de grandes dimensiones en el que se toma la libertad de presentar el dramatismo con los naúfragos haciendo señales a un barco mientras las olas y el viento parecen amenazar a la fragil balsa. Sin embargo el pintor no se recrea en lo macabro a pesar de restos de sangre que se distribuyen por la balsa.
El romanticismo es un movimiento ideológico y cultural caracterizado : Individualismo y exaltación de la libertad; exaltación de los sentimientos: pasión amorosa, religión , lo trágico, la muerte.
Resultado de imagen de la balsa de medusas romanticismo
 

LAS MENINAS

IDENTIFICACIÓN:
Autor: Velázquez
Fecha: 1656
Museo: Museo del Prado.
Material: Oleo sobre lienzo.

DESCRIPCIÓN:

La escena se desarrolla en el Alcázar de Madrid en la estancia que servía de estudio del pintor. Puede ser que represente el momento en Velázquez que está pintando al rey Felipe IV y a Doña Mariana, que aparecen reflejados en el espejo del fondo. O bien puede que esté pintando a la infanta Margarita, rodeada de sus dos doncellas y de las meninas mientras miran cómo los reyes posan para Velázquez. Como se puede ver, Velázquez juega con la indefinición y falta de claridad del tema. Incluso es un tema complejo. Este hecho, es ya un gran novedad porque libera al arte de las cadenas de la concreción del tema. De esa manera, Velázquez eleva la pintura de simple actividad artesanal a una actividad que imprime nobleza y dignidad.
La composición es también compleja porque el cuadro plantea varios planos de ubicación con un elemento en el que se unen todos los planos: el espejo del fondo donde se reflejan los reyes. Unos planos se ven, otros se suponen. En primer plano y en su centro se encuentra la infanta Margarita Teresa, acompañada de dos de sus doncellas, doña Isabel de Velasco y doña Agustina Sarmiento que le ofrece un búcaro de agua. En un plano anterior pero angulados en la derecha están los enanos Maribárbola y Nicolasito Pertusato. En otro plano posterior están el propio Velázquez, mirando frente y fuera del cuadro. Esta mirada nos lleva al plano del espectador donde están los reyes, cuya imagen difuminada está en el penúltimo plano. Obsérvese el atrevimiento de Velázquez al restar importancia compositiva a los reyes pero compensada con la importancia de ser supuestamente el tema central.
Detrás del plano de Velázquez, están ubicados la institutriz, doña Marcela Ulloa y el guardadamas. En el último plano y en el alfeizar de la puerta. Como se puede ver diferentes planos, unos pintados y otros supuestos, unidos por espejos, miradas y posiciones. La composición es también componente temático.
La luz es bifocal, entra tanto por las ventanas laterales como por la puerta posterior bajo cuyo alfeizar se vuelve el aposentador de palacio. Destaca porque marca las figuras para crear la sensación de un espacio real, envolvente y creíble.
La pincelada es fluida, suelta, precisa e impresionista. Esta pincelada es la que crea la sensación de atmósfera en la cual la perspectiva aérea aparece como elemento estructural de la obra en su conjunto.
INTERPRETACIÓN:
Esta fue la obra más famosa de Velázquez. Era más que un retrato, era un comentario sobre el retratismo en general, una pintura sobre la pintura. Velázquez era el pintor favorito de la corte de Felipe IV de España.
Esta escena era como una foto instantánea. El pintor llevaba una amistad tan estrecha con el rey que estaba al corriente de todo lo que sucedía en la corte y en la familia real.
Resultado de imagen de las meninas

Eros y Psque

1. IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA. 
- Nombre: Eros y Psique
- Cronología/etapa: elaborada en 1786 y terminada en 1793. Etapa neoclásica.
- Localización: París, Francia.
- Material: mármol.
- Estilo: neoclásico.
- Autor: Antonio Cánovas.
- Tipología: exenta de bulto redondo.
- Tema: mitológico.

2. DESCRIPCIÓN DE LA OBRA. 
       La composición es en forma de aspa. La composición se conforma así por las alas de Eros, su pierna derecha y la línea del cuerpo de Psique, formando así una aspa, cuyo punto central es el pequeño espacio entre las cabezas de Eros y Psique, encerradas en un círculo por los brazos de esta.
     Las figuras estás idealizadas, con un perfecto estudio anatómico y la serenidad características de las esculturas clásicas. Y, aunque a pesar de que ambas figuras muestren un escorzo (es más acusado el de Eros) este conjunto transmite la quietud y serenidad de los cánones clásicos. 
     El mármol está pulido, e igualmente es destacable el tratamiento de los paños, que hace lucir al mármol, un material pétreo, en gran medida, veraz, real.
    La escultura ocupa un gran espacio, como ya hiciera Bernini, al extender los miembros de los personajes, como son las alas y las piernas de Eros, los brazos de Psique y la misma postura de ambos; lo que beneficia que la obra sea cambiante según sea el punto de vista.


3. INTERPRETACIÓN DE LA OBRA.  
     Se puede concluir afirmando que esta obra sobresaliente del genial Antonio Canova, es un fiel reflejo del Neoclasicismo de la época a imitación de los ideales grecolatinos, punto de referencia y culmen de la perfección para los artistas neoclásicos. Asimismo, podríamos estar contemplando una obra del período clásico por su similitud con las obras neoclásicas, cuyos autores tan fielmente regresan para exaltar nuevamente el arte grecolatino. 
       En esta escultura, se pone  de manifiesto las “nuevas” tendencias en el arte: la regresión hacia los ideales clásicos. Así nació el neoclasicismo, exaltando los grandes valores plásticos griegos y latinos (especialmente los primeros), que consideraban  su punto de referencia ante su perfección. Asimismo, rechazaron lo propio de épocas anteriores como el Barroco y el Rococó. 
       El tema mitológico, corresponde con el mito de Eros y Psique. Eros es el Dios del Amor, mientras que Psique (alma en griego) es la personificación del alma.


lunes, 24 de abril de 2017

Lección de Anatomía.

IDENTIFICACIÓN:
Título: Lección de Anatomía del Dr. Nicolaes Tulp
Autor: Rembrandt.
Cronología/Etapa:1632, siglo XVII.
Estilo: Barroco.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Localización: Mauritshuis, La Haya, Países Bajos.
Tipología: Retrato colectivo.

DESCRIPCIÓN:
Se trata de una escena de clara tendencia tenebrista, en la que se observa a un maestro enseñando anatomía a siete alumnos. Vemos al doctor Tulp, con un sombrero, reflejo de su cargo, y con unas pinzas en la mano derecha, mostrando a sus alumnos la disección de un brazo. Su rostro transmite una total seguridad en su trabajo. El cuerpo del muerto sobre el que se realizan las prácticas es el de un conocido criminal ajusticiado. Detrás de él se sitúan siete alumnos del doctor que escuchan atentamente la lección, destacando el realismo de las figuras a través de sus expresiones (sorpresa, entusiasmo, atención, etc).
Cabe destacar el estudio de la luz que hace Rembrandt: la luz incide directamente sobre las caras de los personajes, de modo que destacan de una manera muy clara sobre la oscuridad de la sala. El foco principal de luz cae sobre el cadáver, las pinzas y los tendones rojos; de este modo existe un contraste entre la frialdad que desprende el cuerpo desnudo del cadáver y la calidez de los rostros. Existe una atmósfera dominada por el claroscuro, que proporciona volumen a los personajes. El ambiente oscuro que reina se ha definido como estilo tenebrista.

INTERPRETACIÓN:
El retrato grupal se transformó en el símbolo de una clase media que ascendía social y económicamente. Además era socialmente bien visto aparecer en compañía de gente poderosa. Esta obra está considerada como la primera gran obra maestra de Rembrandt, la cual fue todo un éxito en su momento.

LOS FUSILAMIENTOS DE LA MONCLOA

LOS FUSILAMIENTOS DE LA MONCLOA

IDENTIFICACIÓN:
- Autor: Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828)
- Cronología: La fecha de este cuadro es de 1814.
- Localización: Está localizado en el Museo del Prado en Madrid
- Material:está hecho en óleo sobre lienzo, mediante el pincel.
- Estilo:estilo de la pintura española del siglo XVIII.
DESCRIPCIÓN:
Representa un hecho histórico. Concretamente los fusilamientos que tuvieron lugar en la madrugada del 3 de mayo de 1808 en la montaña de Príncipe Pío, a las afueras de Madrid. Este acontecimiento, tuvo lugar como represalia por parte del ejercito napoleónico por el levantamiento popular que tuvo lugar el día anterior en las calles de Madrid y que también reflejó Goya en su obra "El dos de mayo" o "la Carga de los mamelucos".
La escena se desarrolla durante la noche, y está iluminada por un gran faro situado entre el pelotón de ejecución y el grupo de los condenados. Este recurso de la luz, de inspiración tenebrista, permite que el pelotón permanezca en penumbra mientras que la luz ilumina de manera dramática el grupo de los condenados a muerte, en especial el hombre de camisa blanca que levanta los brazos, así como el grupo de cadáveres que yacen en el ruedo sobre un gran charco de sangre.
Respecto a los colores, Goya reduce la paleta cromática básicamente a tres colores; grises, ocres y blancos, lo que acentúa el trágico momento representado. Sólo el hombre de la camisa blanca y pantalón amarillo aporta una nota de color dándole el mayor protagonismo de la obra a su gesto heroico a la hora de afrontar su destino.
Los soldados forman una diagonal dando la espalda al espectador de manera que nos quedan ocultos sus rostros en un deseo del pintor de deshumanizar a los verdugos mientras que los ejecutados, los auténticos protagonistas del cuadro muestran toda una amplia gama de reacciones frente a su trágico destino, visible en los que unos instantes antes ya han sido fusilados y yacen muertos. Así unos afrontan dicho destino con valentía como el hombre que levanta los brazos, otros dedican ese ultimo instante a la oración como el fraile que está a su derecha, otros con rabia parecen querer enfrentarse por última vez contra sus enemigos como el hombre que levanta el puño, mientras los hay que se muerden los nudillos con horror, como el hombre del fondo que espera su ejecución o los que tapan sus ojos para no ver lo que sucede.
Respecto a la técnica, Goya hace alarde aquí de una pincelada muy suelta, larga, dándole mayor protagonismo a la mancha de color con finalidad expresiva que a la línea del dibujo. Por otro lado, Goya hace uso del recurso de la perspectiva aérea, de manera que las figuras que aparecen más próximas a nosotros lo hacen más nítidas que el paisaje del fondo, en penumbra y más difuminado, en el que reconocemos el cuartel del Conde-Duque próximo a la montaña de Príncipe Pío.
El pintor toma parte de manera activa en favor de los perdedores, los ejecutados, mostrando lo inhumano y cruel de la guerra.
INTERPRETACIÓN:
Goya pinta la guerra en su sentido más dramático sin tomar partido por un bando u otro pues la guerra deshumaniza a todos por igual, y la ha convertido en una obra icónica no sólo de la Guerra de la Independencia en España sino de denuncia del horror de todas las guerras.

viernes, 24 de marzo de 2017

Plaza de San Pedro del Vaticano

1. Identificación de la obra. 
- Autor: Gian Lorenzo Bernini
- Cronología: 1656- 1667
- Localización: Ciudad del Vaticano, Roma
- Material: piedra y mármol
- Estilo: Barroco
- Tipología: de culto religioso

2. Descripción de la obra. 
Planta compuesta por dos grandes formas geométricas. Arrancando desde la fachada se encuentra una de forma trapezoidal, de lados rectos que se cierra hacia el exterior. Unida a la anterior se encuentra otra formada por una elipse cuyos centros se marcan por dos grandes fuentes, siendo el centro geométrico subrayado por un gran obelisco. En el proyecto original la elipse exterior estaría casi por completo cerrada, sin abrirse la perspectiva que se observa en la actualidad. La plaza recta se cierra con un muro al que se adosan columnas (siguiendo el esquema de la fachada ideada por Maderno) mientras que la elipse se sustenta en cuatro filas de columnas de orden gigante de influencia miguelangelesca que, según se coloque el espectador en el interior de la plaza, se taparán unas a otras (viéndose una sola columna por fila y huecos entre ella, permitiendo la visión del exterior) o se cerrarán impidiendo ver el exterior. La cubierta es adintelada. La decoración no es demasiado abundante. tan solo esculturas sobre los ejes de las columnas, dos gigantescas fuentes y el gran obelisco de origen egipcio que había sido utilizado para la spina del circo construido en el imperio romano por Calígula en el mismo lugar.
La plaza trapezoidal se abre en dos brazos ovalados formados por sendos cuadripórticos con columnas de orden toscano sobre las que descansa un dintel corrido, propio de los órdenes jónico o corintio, y no dividido en triglifos y metopas como debía corresponder. Sobre el entablamento se levanta una balaustrada rematada por estatuas de santos, 140 en total que coinciden con los ejes de las columnas , obras del taller de Bernini y que parecen acompañar a las esculturas de Cristo y los apóstoles de la fachada.



3. Identificación de la obra. 
         El deseo de los papas de convertir a Roma en una ciudad digna de ser la capital del catolicismo llevó a una ingente labor de remodelación urbana para transformar la ciudad medieval  abriendo avenidas y construyendo plazas con monumentales fuentes y palacios. En esta labor durante gran parte del siglo XVI  destacó Bernini como arquitecto y urbanista. La plaza de San Pedro diseñada por Bernini se convirtió no solamente en un espacio público abierto que daba acogida a miles de peregrinos sino, además, en un símbolo de la legitimidad de la Iglesia Católica frente a las tesis protestantes.
Desde 1870, tras la desaparición de los Estados Pontificios, la plaza de San Pedro es una de los límites entre la Ciudad-Estado del Vaticano e Italia.
Bernini trata de diseñar una plaza que de protagonismo tanto a la fachada recta diseñada por Maderno como a la cúpula de Miguel Ángel. Así conforme avanzamos al interior de la misma, la plaza se ensancha y la fachada se sitúa al fondo a la espera de recibir en su interior al peregrino que se desplaza a través de ella.
 El papa le pidió a Bernini que ampliara la plaza de la Basílica, teniendo presente que existían edificios al rededor que no debían ser demolidos y además debía preservar una simetría que se uniera armónicamente a la ya existente Basílica. La solución de Bernini fue realizar un columnado.