Plaza de San Pedro del Vaticano

1. Identificación de la obra. 
- Autor: Gian Lorenzo Bernini
- Cronología: 1656- 1667
- Localización: Ciudad del Vaticano, Roma
- Material: piedra y mármol
- Estilo: Barroco
- Tipología: de culto religioso

2. Descripción de la obra. 

Planta compuesta por dos grandes formas geométricas. Arrancando desde la fachada se encuentra una de forma trapezoidal, de lados rectos que se cierra hacia el exterior. Unida a la anterior se encuentra otra formada por una elipse cuyos centros se marcan por dos grandes fuentes, siendo el centro geométrico subrayado por un gran obelisco. En el proyecto original la elipse exterior estaría casi por completo cerrada, sin abrirse la perspectiva que se observa en la actualidad. La plaza recta se cierra con un muro al que se adosan columnas (siguiendo el esquema de la fachada ideada por Maderno) mientras que la elipse se sustenta en cuatro filas de columnas de orden gigante de influencia miguelangelesca que, según se coloque el espectador en el interior de la plaza, se taparán unas a otras (viéndose una sola columna por fila y huecos entre ella, permitiendo la visión del exterior) o se cerrarán impidiendo ver el exterior. La cubierta es adintelada. La decoración no es demasiado abundante. tan solo esculturas sobre los ejes de las columnas, dos gigantescas fuentes y el gran obelisco de origen egipcio que había sido utilizado para la spina del circo construido en el imperio romano por Calígula en el mismo lugar.
La plaza trapezoidal se abre en dos brazos ovalados formados por sendos cuadripórticos con columnas de orden toscano sobre las que descansa un dintel corrido, propio de los órdenes jónico o corintio, y no dividido en triglifos y metopas como debía corresponder. Sobre el entablamento se levanta una balaustrada rematada por estatuas de santos, 140 en total que coinciden con los ejes de las columnas , obras del taller de Bernini y que parecen acompañar a las esculturas de Cristo y los apóstoles de la fachada.

3. Identificación de la obra. 

         El deseo de los papas de convertir a Roma en una ciudad digna de ser la capital del catolicismo llevó a una ingente labor de remodelación urbana para transformar la ciudad medieval  abriendo avenidas y construyendo plazas con monumentales fuentes y palacios. En esta labor durante gran parte del siglo XVI  destacó Bernini como arquitecto y urbanista. La plaza de San Pedro diseñada por Bernini se convirtió no solamente en un espacio público abierto que daba acogida a miles de peregrinos sino, además, en un símbolo de la legitimidad de la Iglesia Católica frente a las tesis protestantes.

Desde 1870, tras la desaparición de los Estados Pontificios, la plaza de San Pedro es una de los límites entre la Ciudad-Estado del Vaticano e Italia.

Bernini trata de diseñar una plaza que de protagonismo tanto a la fachada recta diseñada por Maderno como a la cúpula de Miguel Ángel. Así conforme avanzamos al interior de la misma, la plaza se ensancha y la fachada se sitúa al fondo a la espera de recibir en su interior al peregrino que se desplaza a través de ella.
 El papa le pidió a Bernini que ampliara la plaza de la Basílica, teniendo presente que existían edificios al rededor que no debían ser demolidos y además debía preservar una simetría que se uniera armónicamente a la ya existente Basílica. La solución de Bernini fue realizar un columnado.

Palacio de Versalles

Identificación:

El palacio de Versalles está ubicado en el municipio de Versalles, cerca de París, en la región isla de Francia. Su construcción fue ordenada por Luis XIV pero su autor es Jules Hardovin Mansart, de estilo Barroco francés, de en el 1678-1703. Para su construcción se utilizaron en el exterior materiales como: ladrillo, pizarra, vidrio, piedra y madera. Su tipología es de arquitectura civil

Descripción:

Tiene forma de "U", con dos alas laterales con una longitud de 600 m., una parte mira al pueblo y otra a los jardines siendo el mejor ejemplo de una arquitectura palaciega en Europa. Una de las características es el diseño del conjunto y los grandes ventanales (250 ventanas) que tiene para dar luz al interior. 

Las pilastras son de estilo jónico. La fachada es simétrica, con unos salientes para aportar ligereza a la monotonía de tan larga fachada. Se distinguen tres pisos: el piso inferior, está dominado por ventanas y paramento almohadillado; el piso nobel está formado por grandes ventanas entre pilastras y columnas jónicas gigantes; y por último, el ático está dominado por vanos cuadrados entre pilastras adosadas y coronado por trofeos. La estructura tiene un carácter repetitivo, que se atenúa con salientes formados por columnas y además crea efecto de claroscuro. El conjunto da sensación de horizontalidad. Es una estructura bastante sobria y clásica. Tiene gran importancia su jardín que crea un efecto visual de placer.

Interpretación:

El palacio de Versalles es la residencia de la familia real y de la corte, representa el poder del régimen absolutista y del monarca. El palacio en sí revela el poder con su grandeza. Simboliza el absolutismo y el poder del rey.

Baldaquino de San Pedro

1. IDENTIFICACIÓN:

Nos encontramos ante el Baldaquino de San Pedro, realizado hacia 1623 por Bernini, por encargo del papa Urbano VIII, sin duda una de las obras clave del Barroco.
El baldaquino  es una especie de templete formado por cuatro columnas que sostienen una  cúpula o dosel plano, destinado a cobijar el altar.

2. DESCRIPCIÓN DE LA OBRA:

 Se trata de un magnífico altar, realizado en bronce, que alcanza hasta los 29 metros de altura. El baldaquino se sostiene sobre cuatro columnas  que ascienden en espiral, rematadas con capiteles compuestos por pedestales cúbicos de mármol. Sobre las columnas, se apoya un entablamento realizado también en bronce, sobre el que se sitúan unos tallos a modo de volutas que convergen en el centro de la composición. El vértice se corona con una esfera que trata de representar el mundo y sobre                                  
ella una cruz, símbolo del cristianismo. La decoración escultórica está representada por cuatro ángeles que se sitúan en la parte superior de la columnas. En el centro vemos al Espíritu Santo y una ángel portando las llaves de San Pedro. El resto de la decoración versa sobre motivos vegetales.

 el dinamismo y  la teatralidad tiene como fin impresionar al espectador y hacerle sentir que el Catolicismo es la única y verdadera religión.            

3. FUNCIÓN Y SIGNIFICADO:

 Una de la función del Baldaquino de San Pedro es señalar el lugar donde yace el cuerpo del primer papa de la Iglesia, San Pedro, su ubicación en la basílica no se debe al azar, está justo sobre la cripta que guarda el cuerpo de San Pedro y bajo la gran cúpula construida por Miguel Ángel.
 Debemos recordar que entre 1545-1563 se produce el Concilio de Trento, con el se trata de reformar la Iglesia Católica y ganar adeptos frente a la reforma protestante. Uno de los medios será utilizar el arte como propaganda religiosa.

 Sin duda, Bernini, uno de los arquitectos y escultores más destacados del Barroco, con esta obra consigue reunir, a pesar de respetar las proporciones clásicas, todos los elementos expresivos del Barroco.            

Sant'ivo alla Sapienza

La planta centralizada es:

- En primer lugar yuxtapuesta, pues presenta dos triángulos equiláteros ( el triángulo es símbolo de la Trinidad) que conforman una planta estrellada de seis puntas ( la estrella de David y símbolo de la sabiduría). El triángulo con el vértice hacia arriba indicaría como si fuera una llama la dirección divina y el triángulo invertido con su vértice indicaría lo terrenal.

A partir de estos triángulos se constituyen los tramos cóncavos y convexos. .


- Con la superposición e intercesión de los triángulos se forma un hexágono símbolo de las celdas de los panales de abejas que aparecen en el escudo de la familia Barberini ( Ver Baldaquino de Bernini).


Así mismo a partir del hexágono se circunscribe un círculo símbolo de la perfección divina.

      

Espacio estrellado mixtilíneo con tramos rectos, cóncavos y convexos permanece desde la base hasta el entablamento y la propia cúpula.


La planta centralizada favorece la contemplación del sacramento y también la predicación en un lugar en que se da gran importancia a la teología.

Las grandes pilastras estriadas y de orden corintio que parten desde el suelo crean un sentido ascensional que no concluye en el potente entablamento mixtilíneo sino que continúa hasta la base de la linterna aunque el espacio se va curvando hasta llegar al óculo.


La cúpula repite la forma mixtílínea cuyo espacio se va reduciendo y curvando hacia lo alto, hacia el óculo en cuyo interior incluso se mantiene la forma dinámica de tramos cóncavos y convexos.


La luz que entra por el óculo y ventanas inunda el espacio. El resto del espacio de la iglesia queda en penumbra como espacio terrenal.

Las ventanas inferiores son ciegas (exceptuando la ventana superior del acceso). Esto crea una iluminación superior que tiende a ascender en el espacio. Así se crea una doble lectura, lo sombrío como lo terrenal y lo iluminado como lo divino.

Comentario san Carlos De las Cuatro Fuentes

FICHA TÉCNICA: la obra que a continuación vamos a estudiar es la iglesia romana de san Carlos de las Cuatro Fuentes, obra realizada por Francisco Borromini a partir de 1638, aunque la fachada, objeto de nuestro análisis y comentario, se inició en 1664 aunque tras la muerte del arquitecto, en 1667, fue continuada la obra por su sobrino Bernardo siguiendo los diseños del arquitecto. La obra se finalizó en 1680. La obra forma parte de un convento y fue patrocinada por el cardenal Francisco Barberini.


ANÁLISIS DE LA OBRA: La obra comentada es una vista exterior de la fachada. La fachada se

articula en dos pisos separados por un entablamento con una inscripción en la que se puede leer la dedicatoria a la Santisima Trinidad y a San Carlos (Borromeo) así como el año de 1667. El piso inferior se articula en dos niveles en horizontal y tres calles verticales separadas por columnas de orden gigante cuyos fustes lisos, separados de la fachada, recorren los dos niveles y se coronan con capiteles de orden fantástico. En el nivel inferior, columnas de menor tamaño enmarcan ventanas de formas ovaladas con decoración a los lados y una puerta adintelada en el centro, En el segundo nivel aparecen tres nichos, adintelados los laterales con imágenes de santos de la Orden trinitaria y el central con un arco de medio punto flanqueado por ángeles en cuyo interior que alberga la imagen de San Carlos Borromeo, santo al que está dedicada la iglesia



En el segundo piso se repite el esquema con columnas de menor tamaño que enmarcan nichos adintelados vacíos en los laterales y decoración ovalada en la parte superior y, en el centro, un templete semicircular con una gran ventana rectangular sobre el que se colocan dos ángeles que sostienen un escudo ovalado que contenía una pintura de la coronación de la Virgen, hoy día desaparecida, rematado por un arco conopial que reemplaza el habitual frontón triangular. Sobre la esquina, termina en forma de chaflán se levanta una torre con parejas de columnas y cubierta en forma de pagoda de gran originalidad.


Sin embargo, la mayor originalidad del edificio se debe al movimiento que el arquitecto logra dar a la fachada disponiendo los cuerpos laterales en formas cóncavas y la central en forma convexa, formas que repite el entablamento que sirve de separación entre los dos pisos. En el segundo piso los tres cuerpos adquieren formas cóncavas aunque el templete semicircular central adquiere una forma convexa al igual que la balaustrada. Los áticos que rematan el edificio repiten las formas cóncavas, al igual que los muros de la torre lateral.


Borromini consigue crear una fachada de movimiento ondulante. Así mismo, Borromini dispone unos elementos constructivos salientes como columnas, balaustrada, entablamentos y el templete mientras que otros, como la hornacina o los muros cóncavos, se hunden en la fachada, creando contraste lumínicos y juegos de luces y sombras que dotan a la fachada de una plasticidad más propia de una escultura que de una obra arquitectónica.


COMENTARIO: Borromini se muestra en esta obra como un auténtico maestro del barroco, llevando los deseos de inestabilidad y movimiento a límites hasta ese momento nunca alcanzados. Partiendo de elementos clásicos, los modula de tal manera que parece que la piedra se convirtiera bajo su mano en un material dúctil y maleable.


Borromini sabe adaptarse en esta obra a dos condiciones que dificultaban la misma. Por un lado la estrecha calle en esquina donde tenía que construir el templo, de pequeñas dimensiones y, por otro lado, la pobreza de los materiales empleados, dado los pocos recursos de los que disponía la Orden Trinitaria, a quien pertenecía la iglesia. Ambos retos los resuelve Borromini de manera magistral pues, a pesar de la pobreza de materiales y las reducidas dimensiones del edificio lo concibe con una monumentalidad impresionante y, al construir la esquina en un chaflán es decir, corta la esquina con un plano en oblicuo, consigue acentuar la perspectiva del edificio y su visión, acentuando la sensación de verticalidad de la fachada. Ésta es concebida como una fachada pantalla, pues su distribución en tres calles no se corresponde con la planta elíptica del templo.

Además, Borromini se adapta perfectamente al espíritu de la Contrarreforma de la que San Carlos Borromeo, el santo titular de la iglesia, fue uno de los mayores representantes. Así, con esta obra, Borromini se aleja del orden, la mesura y la corrección, para primar la expresividad de los elementos constructivos a través del movimiento y el juego de luces y sombras (claroscuro). El arte barroco pretende emocionar y llegar a los espectadores a través de los sentidos y lo emocional, en lugar de los racional, como había ocurrido con el arte renacentista anterior.


CONCLUSIÓN: Esta obra es una de las más representativas del espíritu barroco que alcanza aquí su máxima expresión de movimiento y teatralidad, del que Borromini es el mayor representante. Su espíritu anticlásico le convertirá en el rival artístico de Bernini. Considerado su arte recargado y excesivo, fue desprestigiado con posterioridad, tras el triunfo del Neoclasicismo, para ser de nuevo recuperado su valor en fechas posteriores, siendo visible su influencia en autores como Gaudí en la Casa Milá, entre otras obras.

PALACIO RUCELLAI

FICHA TÉCNICA:La obra que en esta ocasión vamos a comentar es la fachada del Palacio Rucellai, construido en Florencia por el arquitecto Bernardo Rosellino sobre el diseño del tratadista León Battista Alberti entre 1446 y 1455. Nos encontramos, por tanto ante una obra representativa del Renacimiento italiano del siglo XV o Quattrocento.

ANÁLISIS DE LA OBRA: Alberti articula la fachada en tres pisos de altura, separados por entablamentos y en siete paños verticales, aunque originalmente Alberti proyectó cinco, separados por pilastras de orden clásico que enmarcan pequeñas ventanas cuadradas en el piso inferior, y ventanas con parteluz. Dispone de pilastras de orden dórico en el primer piso, jónico en el segundo y corintio en el tercero, ateniéndose a las leyes del tratadista romano Vitruvio sobre el refinamiento progresivo, de manera que, a medida que subimos en altura, se gana en riqueza ornamental. Separando los diferentes pisos de altura se disponen entablamentos con frisos decorados con los emblemas de las familias Medici en el primer piso y Rucellai en el segundo, consistente éste último en una vela hinchada por los vientos de la diosa Fortuna. Como ya hemos mencionado, las pilastras dividen, en los pisos superior e intermedio, ventanas adinteladas geminadas y enmarcadas por arcos de medio punto. La fachada se remata con un alero o cornisa que descansa sobre ménsulas, mientras que en la base se disponen pequeñas ventanas y un banco corrido. Toda la fachada se encuentra revestida por piedra a manera de sillares planos, a excepción del zócalo y la bancada donde la piedra se talla de manera romboidal a semejanza del opus spicatum romano.

CONCLUSIÓN: La fachada diseñada por Alberti nos traslada inmediatamente al mundo clásico y responde al ideal arquitectónico de Alberti según el cual el edificio debía mostrar la magnificencia y prestigio de la familia Rucellai pero sin ostentación, a la vez que se alejaba del modelo de residencia fortaleza característica de los palacios toscanos.

El nacimiento de Venus.

1.IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA:

-Título: El nacimiento de Venus.

-Cronología: 1484-1485.

-Localización: Galería de los Uffizi, Florencia.

-Estilo: Renacentista.

-Autor: Sandro Botticelli.

-Técnica: Temple sobre lienzo.

-Tema: Mitológico.

2.DESCRIPCIÓN DE LA OBRA:

El cuadro se compone de cuatro figuras, tres femeninas y una masculina. El centro de la composición está ocupado por una figura femenina desnuda que identificamos con Venus. La escena se sitúa en un paisaje formado por el mar de color turquesa y una orilla con prados y algunos árboles situados a nuestra derecha.Respecto a la técnica, predomina el dibujo con unas líneas precisas que limitan los contornos de las figuras, ropas y paisaje. Sin embargo, toda la composición se caracteriza por la utilización de líneas sinuosas, como el propio cuerpo de Venus que adopta la clásica postura del contraposto. Esta postura se inspira directamente en la estatuaria griega.Respecto a los colores utilizados, predomina la paleta clara de colores pasteles como turquesas, verdes, celestes, rosas y naranjas acompañados de toques dorados en las alas de los vientos. Una luz uniforme,proveniente de nuestra derecha   recorre la escena y modela las figuras y el entorno sin grandes contrastes de luces y sombras.

3.INTERPRETACIÓN DE LA OBRA:

Técnicamente, Botticelli consigue una figura magnífica aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con una línea oscura, como si se tratara de una estatua clásica. De esta manera, el artista toma como referencia la Antigüedad a la hora de realizar sus trabajos. Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y los detalles. El cuadro es famoso porque rompió las barreras de la censura política y social de la época con el primer desnudo de cuerpo completo en más de mil años (desde el arte clásico grecorromano cerca de los 450 d.C.).

La disposición de los personajes son una inspiración de la mitología griega que describe el nacimiento de Venus mediante el cual cuenta el mito de Cronos, el dios del tiempo, padre de Venus.

Las Puertas del Paraíso del Sacrificio de Isaac.

Identificación:
La puerta del Paraíso, así se conoce popularmente a esta puerta. Se encuentra ubicada frente a la catedral de Santa Maria del Fiore. Es obra del escultor y orfebre italiano Lorenzo Ghiberti, quien la comenzó en 1425, y la finalizó en 1452. Esta obra es la obra cumbre de Ghiberti y una de las producciones más destacadas del Renacimiento. Completamente dorada, le fue puesta el sobrenombre del Paraíso, por Miguel Ángel Buonarroti. Después de la inundación de Florencia en 1966, la puerta fue sustituida por na réplica, y los paneles originales fueron restaurados y se conservan en el Museo dell'Opera del Duorno que se encuentra en las inmediaciones.

Descripción:
La Puerta del Paraíso está hecha en bronce dorado y compuesta de dos batientes. Mude 5'20 m de altura, 3'10 m de ancho y 11 cm de grosor. Su peso es de 8 toneladas. la puerta se encuentra dividida en 10 paneles, los cuales representan 37 escenas del Antiguo Testamento. Cada panel está hecho en una sola pieza, y de izquierda a derecha y de arriba a abajo, serían: "Adán y Eva", "Caín y Abel", "Noé", "Abraham", "Esaú y Jacob", "José", "Moisés", "Josué", "David" y "Salomón y la reina de Saba". En el panel 1, se encuentra la creación de Adán, la creación de Eva, el pecado original y la expulsión del paraíso. En el segundo panel, están los primeros padres delante de su choza, Abel cuidando el rebaño, el sacrificio de Caín y Abel, Caín matando a Abel y Dios pidiendo cuentas a Caín. En el panel 3, se representa la salida del arca de Noé, el sacrificio de Noé y su embriaguez. En el cuarto panel, el encuentro de Abraham con los tres ángeles, y el sacrificio de Isaac. En el panel 5 se ve a Rebeca rezando a Dios y dando a luz, a Esaú vendiendo su primogenitura a Jacob, a Isaac mandando de cacería a Esaú, Jacob trae un cabritillo e Isaac bendice a Jacob. En el panel 6, la venta de José a los mercaderes, el almacenamiento del grano, el descubrimiento de la copa de plata y José se da a conocer a sus hermanos. En el panel 7, se me como Moisés recibe las tablas de la ley, y el pueblo aguarda a los pies del monte Sinaí. En el panel 8, a los israelitas cruzando el río Jordán y levantando el monumento de piedra, y la conquista de Jericó. En el panel 9, David mata a Goliat, y se ve la entrada en Jerusalén, y en el último panel, Salomón encuentra a la reina de Saba.

Interpretación:
Es una obra innovadora de gran belleza, en la que se incluyen nuevas técnicas para transmitir mensajes, producidas por un efecto de profundidad.
Ghiberti se considera un iniciador de un nuevo estilo y gran humanista.

David de Donatello

Nos encontramos ante la escultura de El David es una escultura de de 158 cm de altura de bronce, exenta y de bulto redondo. Es obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bargello , Florencia (Italia). El David de Donatello es una de las obras más relevantes del primer Renacimiento. Estamos por lo tanto, ante una obra del Quatrocentto italiano.


ANÁLISIS DE LA OBRA: Realizado en bronce pulido, Donatello opta por representar el pasaje bíblico del enfrentamiento entre el joven David y el gigante soldado filisteo Goliat justo en el momento posterior a dicho enfrentamiento, cuando éste se ha saldado con la victoria en favor del joven. Éste aparece representado totalmente desnudo, a excepción de un sombrero toscano coronado con hojas de laurel y unas botas altas, portando con la mano derecha la espada con la que acaba de degollar a Goliat, cuya cabeza pisa con la pierna izquierda.


Donatello vuelve la mirada a la escultura clásica griega y el profeta bíblico aparece representado como si de un dios olímpico se tratara. El cuerpo de David aparece representado como el de un joven adolescente de anatomía blanda apenas desarrollada y adopta la postura clásicica del contrapposto apoyando el peso del cuerpo sobre la pierna derecha, cuya cadera sobresale recreando la curva praxiteliana. El rostro imberbe del joven David expresa serenidad y contrasta con el del vencido Goliat cuyo rostro barbudo de facciones marcadas y maduras contrastan con las de su oponente. Cabe destacar el rico relieve que decora el yelmo del gigante.


COMENTARIO: El David de Donatello, supuso la vuelta al desnudo como tema tras casi mil años de ausencia de éste de la historia del arte occidental. El tema bíblico del enfrentamiento del profeta David con Goliat se convierte en una simple excusa para representar el desnudo como hicieran los escultores clásicos. Así David aparece como si de Apolo se tratara y la influencia de Praxiteles es clara tanto en la pose de la escultura como en el modelado del cuerpo, de ambigua sexualidad.


Como ya hemos dicho antes, Donatello volvió a fijar su mirada en la escultura clásica griega retomando el tema del desnudo, que rompía casi mil años de tradición artística y la escultura volvió a recuperar su lugar con independencia del marco arquitectónico al que había estado supeditado durante la Edad Media. Este tema será tratado por escultores renacentistas como Verrochio o Miguel Ángel, así como por escultores posteriores como el escultor barroco Bernini.

Cúpula de Santa María dei Fiore.

1. IDENTIFICACIÓN 

Cúpula de Santa María dei Fiore" de Filippo Brunelleschi. Arquitectura renacentista italiana. 1418-1446 (Quattrocento) Florencia, Italia.
Se trata de la cúpula de la catedral de Florencia. Santa María de las Flores (Santa María dei Fiori) es una catedral gótica, iniciada en 1296 por el arquitecto Arnolfo di Cambio y continuada desde 1331 por Giotto quién realizó su bello campanile exento, y posteriormente por otros arquitectos. La catedral tiene planta de cruz latina con tres naves. Como es típico en el gótico italiano, tiende a la horizontalidad y a la policromía, al intercalar hiladas de piedra y mármol. En 1418 la Corporación de la Lana convocó un concurso para elegir el mejor proyecto para construir una cúpula sobre el crucero, que aún faltaba.

Los materiales utilizados son el ladrillo, la piedra y mármol.

2. Descripción de la obra:

El solemne interior de la iglesia, a cruz latina con tres naves sujetadas por tres pilares, da una extraordinaria sensación de vacío espacial. La pared interior de fachada , con un fresco de Paolo Uccello de 1443.

 

La cúpula de la catedral de Florencia se levanta sobre un tambor de planta octogonal realizado en piedra. Cada uno de sus ocho lados está revestido por placas de mármol (blanco y verde) y presenta un gran óculo central. Sobre este tambor se levanta la cúpula propiamente dicha que, al exterior, muestra un claro perfil apuntado en el que destacan los ocho nervios realizados con sillares de mármol blanco de cuatro metros de espesor. Todo el espacio de los plementos existentes entre aquellos está cubierto por tejas de barro planas, de color rojizo.

Se alza una linterna prismática, de ocho lados y 16 metros de altura, con contrafuertes rematados por volutas y cubierta por una estructura cónica coronada por una esfera de cobre dorado sobre la que se alza una cruz.

la cúpula es de perfil apuntado y planta octogonal. Su punto más elevado alcanza una altura sobre el suelo de 114 metros Su diámetro mayor es de 41,7 metros. Su peso se estima cercano a las 37.000 toneladas.

La cúpula interior, de menor tamaño, posee un total de 24 nervios construidos en ladrillo que reciben las descargas de la estructura, dividiendo el peso de su carga y llevándolo hasta el tambor.

Con todo ello se reduce el peso del conjunto y se posibilita la existencia de una galería interna entre ambas cúpulas que conduce hasta la linterna.

3.  Interpretación de la obra:

 Esta cúpula es la primera obra renacentista. Está inspirada en los sistemas de construcción romanos.

La cúpula superaba en altura y destacaba del resto de las edificaciones de la ciudad de Florencia. Dominaba la perspectiva y jerarquizaba el espacio urbano. Era el símbolo del orgullo de esta ciudad-estado, la más prestigiosa del siglo XV. La cúpula tendrá un enorme éxito y será muy imitada durante el Renacimiento, dentro y fuera de Italia.